Pour la deuxième fois, Saeed Roustaee quitte le Festival de Cannes sans figurer au palmarès officiel, et cela demeure difficilement compréhensible. En 2022, son remarquable Leila et ses frères avait certes remporté le Prix FIPRESCI, mais n’avait reçu aucune récompense du jury officiel. Cette année, avec Woman and Child, le cinéaste iranien livre pourtant un nouveau film puissant, parfaitement maîtrisé, qui aurait largement mérité une reconnaissance à la hauteur de son audace et de sa profondeur.

Présenté en sélection officielle au 78ème Festival de Cannes, Woman and Child (Zan o Bacheh, en version originale) a immédiatement marqué les esprits lors de sa première au Grand Théâtre Lumière. Accueilli par une longue standing ovation, ce film bouleversant illustre avec force les tensions sociales et intimes qui agitent l’Iran d’aujourd’hui.

Saeed Roustaee, réalisateur iranien né en 1989 à Téhéran, s’est imposé comme l’un des cinéastes les plus pertinents de sa génération. Diplômé de l’Université Soore de Téhéran, il est connu pour ses œuvres incisives telles que Life and a Day (2016) et La Loi de Téhéran (2019), qui explorent les fractures sociales et les violences au sein de la société iranienne. Saeed Roustaee est aussi un artiste dont la liberté d’expression a été mise à rude épreuve. Son film Leila et ses frères (2022), présenté à Cannes sans l’aval des autorités iraniennes, lui a valu des démêlés judiciaires importants, avec une condamnation à six mois de prison avec sursis pour « propagande contre le régime ».

Woman and Child se concentre sur le parcours de Mahnaz, interprétée avec une intensité remarquable par Parinaz Izadyar, une infirmière veuve qui élève seule ses enfants dans le Téhéran contemporain, avec l’aide de sa mère chez laquelle elle vit. Alors qu’elle s’apprête à refaire sa vie avec Hamid, son fiancé joué par Payman Maadi, un drame familial survient : le fils de Mahnaz est renvoyé de l’école, et bientôt, un accident tragique vient bouleverser le fragile équilibre familial. Ce choc intime devient le révélateur de tensions plus larges, sociales et politiques, qui traversent la société iranienne.

Le synopsis pourrait sembler classique à première vue, mais c’est dans la manière dont Saeed Roustaee construit cette histoire qu’émerge toute la force du film. La narration est subtile, entre suspense et émotion brute, et jamais le réalisateur ne cède à la facilité. Le film déroute par ses nombreux retournements narratifs, ces twists qui bousculent notre compréhension des personnages et de leur réalité, tout en maintenant une tension dramatique jusqu’à la dernière minute. Cette construction complexe, digne d’un thriller psychologique, épouse brillamment la montée d’une tension sociale palpable dans l’Iran d’aujourd’hui.

L’une des grandes forces du film réside dans son portrait d’une femme iranienne contemporaine, confrontée à une société patriarcale et répressive. Mahnaz est une figure d’indépendance et de résistance, qui lutte pour sa liberté et celle de ses enfants. Mais son combat est aussi celui de toutes les femmes iraniennes, enfermées dans un système rigide où le poids des traditions misogynes, des lois et des normes religieuses, pèse lourdement. À travers elle, Saeed Roustaee donne une voix à une population qui souffre en silence, un cri étouffé mais vibrant. Ce portrait social est d’autant plus fort qu’il est porté par l’interprétation intense et juste de Parinaz Izadyar, saluée à l’unanimité par la critique. Beaucoup ont estimé qu’elle méritait haut la main le Prix de la meilleure interprétation féminine à Cannes, tant son jeu mêle vulnérabilité et force, douleur et rage contenue.

Mais cette œuvre sociale majeure n’a pas échappé à la polémique. Woman and Child a suscité une controverse avant même sa présentation à Cannes. L’Association des cinéastes iraniens indépendants (IIFMA) a accusé Saeed Roustaee de faire de la « propagande » pro-régime, en raison notamment de l’obtention d’un permis de tournage — perçu comme une marque de compromission — et de la représentation de femmes voilées, y compris dans des scènes se déroulant dans la sphère domestique. Selon l’IIFMA, cela constituerait une trahison du mouvement « Femme, Vie, Liberté », né après la mort de Mahsa Amini et qui a profondément bouleversé la société iranienne.

Roustaee a répliqué publiquement en expliquant que l’autorisation officielle n’était qu’une formalité administrative indispensable pour mener à bien le film féministe qu’il avait en tête. Il a revendiqué son œuvre comme relevant d’un « cinéma de résistance », affirmant que le film devait justement parler de l’émancipation féminine depuis l’intérieur du système, afin de pouvoir atteindre le public iranien.

Lors de la conférence de presse qui a suivi la projection, Roustaee a été interrogé sur la question de l’autocensure, notamment à la lumière de l’interdiction en Iran de son troisième film, Leila et ses frères. Il a répondu qu’il ne savait pas exactement si, dans son inconscient, il s’autocensurait. Âgé de 35 ans et vivant en Iran, il connaît bien son cinéma, qui s’inscrit dans la continuité du cinéma social iranien des 45 dernières années. Il ne sait pas jusqu’où il s’autocensure, si c’est le cas, mais il fait des films pour être vus par le public iranien dans les salles du pays. Il admet donc qu’il fait sûrement attention à certains aspects pour que cela soit possible.

D’autres critiques ont rejoint ce débat, cette fois au sein même de la diaspora iranienne. Certains reprochent à Roustaee de ne pas montrer des femmes assez libres ou assez émancipées à l’écran, estimant qu’il reste trop prudent dans sa manière de les représenter. Alors que, dans la réalité iranienne, un nombre croissant de femmes choisissent de ne pas porter le voile dans la sphère publique, certains lui reprochent de montrer des personnages féminins voilés à la maison, ce qui pourrait être interprété comme une forme d’acceptation ou de normalisation d’une norme imposée. D’autres réalisateurs iraniens ont, ces dernières années, cherché à ne pas respecter cette règle : par exemple Mohammad Rasoulof a choisi, dans son film Le Diable n’existe pas (2020), de montrer des femmes non voilées dans la sphère privée ; ou plus récemment encore Jafar Panahi, dont on voit une femme non voilée y compris dans la rue dans son film Un simple accident. Roustaee, par son travail, navigue avec subtilité dans ces eaux troubles, ce qui ne peut que susciter débats et questionnements.

Sur le plan de la direction d’acteurs, le film brille aussi par la complicité entre Saeed Roustaee et Payman Maadi, acteur qu’il considère comme son « acteur fétiche ». Leur collaboration remonte à Life and a Day, et depuis, Maadi incarne souvent des personnages complexes, révélateurs des contradictions de la société iranienne. Dans Woman and Child, son interprétation de Hamid ajoute une couche supplémentaire à la tension dramatique, entre soutien et conflit familial.

L’écriture du film mérite également une mention spéciale. Le scénario, solidement construit, explore de manière subtile mais incisive les thèmes du deuil, de la justice, et de la condition des femmes. Ce qui fait la force du récit, c’est sa capacité à mêler un drame intime et une critique sociale profonde. La tension narrative est savamment orchestrée, chaque scène apportant son lot de révélations et de retournements, ce qui rend la progression du film captivante et parfois déconcertante. Selon moi, Woman and Child aurait mérité un prix du meilleur scénario à Cannes, tant ce travail d’écriture épouse parfaitement la complexité psychologique des personnages tout en reflétant la réalité sociale iranienne.

Le film est donc une œuvre qui témoigne d’un esprit rebelle profond, d’une volonté farouche de faire entendre une voix féminine dans un contexte où celle-ci est souvent réduite au silence. Woman and Child n’est pas seulement le portrait d’une femme isolée : c’est aussi un miroir de la société iranienne contemporaine, où traditions, religion, pouvoir patriarcal et aspirations individuelles s’entrechoquent douloureusement.

Mais au-delà de son sujet immédiat, Woman and Child interroge aussi, en filigrane, la notion même de responsabilité dans une société où les lignes d’autorité sont brouillées. Où commence l’autorité d’un parent ? Jusqu’où s’étend celle de l’État, de la tradition, ou même de la famille élargie ? En abordant la question de la justice et de la garde des enfants, Saeed Roustaee ouvre la voie à une réflexion plus large sur la manière dont les sociétés patriarcales organisent — ou désorganisent — les liens familiaux et sociaux. Dans un pays où la tutelle légale des enfants est encore majoritairement confiée aux hommes, qu’advient-il des femmes lorsqu’elles réclament, non pas un statut, mais un droit à la voix, à la colère, et à l’auto-détermination ?

Par ailleurs, Woman and Child pose en creux une question plus vaste : que peut encore le cinéma face à la censure, à l’oppression, ou à l’indifférence des institutions ? Jusqu’où un cinéaste peut-il résister tout en restant audible ? Jusqu’où peut-il aller pour défendre sa liberté d’expression et de création ? Faut-il aller jusqu’à quitter son pays, comme l’a fait Mohammad Rasoulof ? Faut-il braver la justice, comme l’a fait Jafar Panahi ? Ces interrogations, laissées en suspens, prolongent la portée du film bien au-delà de l’écran — et convoquent, pour les spectateurs comme pour les programmateurs, une réflexion urgente sur le rôle politique et symbolique de l’art.

Douze jours durant, les cinéphiles, journalistes et festivaliers ont vibré au rythme des vingt-deux films en compétition. Dans les files d’attente, les halls d’hôtels ou les abords des salles, les discussions allaient bon train. Les favoris changeaient au gré des projections, les arguments s’échangeaient avec fougue, les certitudes chancelaient. Chacun défendait sa vision, ses émotions, ses élans : entre la force émotionnelle de Valeur sentimentale de Joachim Trier, la radicalité sensorielle de Sirât du cinéaste hispano-français Oliver Laxe ou encore la complexité politique d’Un simple accident du réalisateur iranien Jafar Panahi, les propositions remarquables ne manquaient pas. À ces œuvres déjà mémorables s’ajoutait l’énigmatique Kuang Ye Shi Dai (Resurrection) de Bi Gan, une proposition inclassable, mais inoubliable.

Laurent Lafitte, maître de cérémonie, a lancé la soirée de clôture sans préambule, dévoilant un palmarès très attendu dans une ambiance à la fois recueillie et joyeuse. Un instant inattendu est toutefois venu rompre le protocole : l’acteur américain John C. Reilly, chargé de remettre le prix du scénario à Jean-Pierre et Luc Dardenne pour leur film Jeunes mères, a choisi l’humour pour alléger l’atmosphère. Évoquant la panne d’électricité survenue dans la journée, il a plaisanté : « Chaque fois que je viens à Cannes, il se passe quelque chose. Cette fois, c’est mon anniversaire ! » Puis, à la surprise générale, il s’est mis à chanter La Vie en rose en anglais — la seule version, a-t-il avoué, qu’il connaissait — avant de s’excuser avec un sourire désarmant.

Le Prix du Jury, attribué ex-aequo, a été l’un des moments les plus émouvants de la soirée. Il est revenu à Sirât d’Oliver Laxe et à Sound of Falling de la réalisatrice allemande Mascha Schilinski. Sur scène, le discours d’Oliver Laxe a pris des allures de prière humaniste. S’exprimant en arabe, il a cité un verset coranique : « Nous vous avons créés en peuples et tribus afin que vous vous connaissiez. » Une parole qu’il a confié avoir entendue de la bouche d’un chauffeur de taxi palestinien lors d’un festival à Jérusalem, et qui a profondément marqué sa vision du monde.

Le prix de la mise en scène est allé au Brésilien Kleber Mendonça Filho pour O Agente Secreto, une adaptation contemporaine, nerveuse et explosive d’un récit d’espionnage. Wagner Moura, bouleversant dans le rôle principal, a reçu le prix d’interprétation masculine pour ce même film. Le prix d’interprétation féminine a quant à lui couronné Nadia Melliti, pour son rôle dans La petite dernière de Hafsia Herzi.

Un prix spécial du Jury a été attribué à Résurrection. Il était difficile d’imaginer une autre distinction pour ce film étrange et singulier, tant il semble résister à toute classification. Une œuvre hors normes, donc, pour un prix hors catégories.

En revanche, l’absence remarquée de Woman and Child de Saeed Roustaee a laissé un goût d’inachevé. Le film, d’une grande justesse, n’a reçu aucune récompense, et son actrice principale, Parinaz Izadyar, aurait mérité de repartir avec le prix d’interprétation. Son jeu, d’une richesse remarquable, embrassait une large palette d’émotions, de la mère endeuillée à la femme abandonnée, de la sœur trahie à l’amante blessée. Un rôle intense, pour un très beau film, qui n’a visiblement pas su émouvoir les membres du jury.

Comme je l’avais pressenti dès les premières projections, et anticipé dans mon article Cannes 2025 – Pronostics croisés à quelques heures du palmarès, les deux plus hautes distinctions ont été décernées aux œuvres qui avaient su le plus toucher à la fois le public et la critique. La Palme d’or a été attribuée à Un simple accident de Jafar Panahi, un film d’une sobriété radicale, tendu comme un fil de rasoir ; tandis que le Grand Prix est allé à Affeksjonsverdi (Valeur sentimentale) de Joachim Trier, une œuvre d’une subtilité bouleversante. Ces deux récompenses majeures ont été accueillies avec un rare consensus. Pour la première fois depuis longtemps, le palmarès semblait faire l’unanimité : nul n’a parlé d’injustice, d’absurde ou d’oubli criant.

Juliette Binoche, présidente du jury, a pris la parole dans un discours sensible, évoquant les artistes et les peuples qui souffrent à cause de leurs opinions, et rappelant la force de l’art lorsqu’il puise dans la compassion, la tendresse, et une humanité partagée. L’art, a-t-elle affirmé, provoque, questionne, bouleverse, et révèle en nous des dimensions insoupçonnées ; il mobilise notre part la plus précieuse, la plus vivante, et transforme les ténèbres en espérance. C’est à cette lumière qu’elle a expliqué le choix du jury pour la Palme d’or.

Récompensé pour Un simple accident, Jafar Panahi, déjà lauréat du Lion d’or à Venise en 2000 pour Le Cercle et de l’Ours d’or à Berlin en 2015 pour Taxi Téhéran, a prononcé un discours d’une intensité bouleversante, qui a profondément ému la salle :

« Avant de dire quelque chose, permettez-moi de remercier ma famille, pour tout le temps où je n’étais pas présent avec eux, et toute mon équipe. Ils m’ont accompagné sur ce chemin pour qu’on fasse ce film ensemble. Je vous remercie aussi toute l’équipe qui m’a accompagné ici en France pour la post-production. Je crois que c’est le moment de demander à tous les gens, tous les Iraniens, avec toutes les opinions différentes, partout dans le monde, en Iran ou ailleurs… je me permets de demander une chose : mettons tous les problèmes, toutes les différences de côté. Le plus important en ce moment, c’est notre pays et sa liberté. Ensemble. Que personne n’ose nous dire ce qu’il faut faire correctement, ce qu’il faut dire ou ne pas dire, ce qu’il faut manger… Le cinéma, c’est une société. Personne n’a le droit de nous dicter notre conduite. J’espère ce jour. Je vous remercie tous, je remercie le Festival de Cannes et tout le monde présent. »

Un autre moment fort de cette soirée a été la remise de la Caméra d’or, récompensant le meilleur premier film toutes sections confondues. Pour la première fois de son histoire, le Festival a couronné une œuvre venue d’Irak. La présidente du jury, la cinéaste italienne Alice Rohrwacher, a remis la distinction à The President’s Cake de Hasan Hadi, présenté à la Quinzaine des cinéastes. « Une œuvre qui nous a hantés, moi et mon jury, comme un fantôme », a-t-elle confié. Le film se déroule sous le régime autoritaire irakien : la jeune Lamia, neuf ans, tente de rassembler les ingrédients nécessaires à la préparation d’un gâteau, pour commémorer l’anniversaire de la mort de Saddam Hussein. Une fable grinçante et poignante sur l’enfance, la mémoire, et l’absurdité du pouvoir.

Le Palmarès du 78e Festival de Cannes :

Le Jury, présidé par Juliette Binoche et composé de Halle Berry, Payal Kapadia, Alba Rohrwacher, Leïla Slimani, Dieudo Hamadi, Hong Sangsoo, Carlos Reygadas et Jeremy Strong, a distingué les films suivants parmi les 22 en Compétition :

Longs Métrages :

• Palme d’or : Un simple accident – Jafar PANAHI
• Grand Prix : Affeksjonsverdi (Valeur sentimentale) – Joachim TRIER
• Prix du Jury (ex-aequo) : Sirât d’Oliver LAXE et Sound of Falling  de Mascha SCHILINSKI
• Prix de la Mise en Scène : Kleber MENDONÇA FILHO pour O Agente Secreto (L’Agent secret)
• Prix du scénario : Jean-Pierre et Luc DARDENNE pour Jeunes mères
• Prix d’interprétation féminine : Nadia MELLITI dans La petite dernière de Hafsia HERZI
• Prix d’interprétation masculine : Wagner MOURA dans O Agente Secreto de Kleber MENDONÇA FILHO
• Prix spécial du Jury : Kuang Ye Shi Dai (Resurrection) – Bi GAN

Courts Métrages :

• Palme d’or : I’m Glad You’re Dead Now – Tawfeek BARHOM
• Mention spéciale : Ali – Adnan AL RAJEEV

Caméra d’or

• The President’s cake de Hassan HADI – Quinzaine des Cinéastes
• Mention Spéciale : My Father’s shadow d’Akinola DAVIES Jr – Un Certain Regard

À l’issue de cette cérémonie de clôture, il reste le souvenir d’un festival riche et profondément cohérent, où la diversité des récits, la profondeur des regards et la sincérité des propositions artistiques ont guidé les choix. Un millésime 2025 qui, sans chercher l’éclat à tout prix, s’est imposé par son équilibre, sa justesse, et cette forme rare d’évidence qui fait les grands palmarès.

Neïla Driss

Du côté de la presse internationale, deux titres émergent très nettement parmi les favoris pour la Palme d’or. Le plus souvent cité est Sentimental Value du Norvégien Joachim Trier, un drame familial tout en délicatesse, porté par Renate Reinsve et Stellan Skarsgård. Le film a ému jusqu’aux larmes une partie de la critique, et sa projection a été suivie d’une ovation de 19 minutes. Sensible, fin, d’une rare justesse émotionnelle, Sentimental Value s’inscrit dans la lignée des œuvres intimistes célébrées à Cannes ces dernières années. Distribué par Neon, déjà derrière plusieurs Palmes récentes, il coche toutes les cases du favori « raisonnable ».

Mais un autre titre revient aussi régulièrement dans les papiers des journalistes : Un simple accident/It Was Just an Accident de Jafar Panahi, film iranien audacieux, politique, drôle et tragique à la fois. Jafar Panahi, toujours empêché de tourner dans son pays, livre ici un récit d’une grande liberté formelle, où la satire sociale s’infiltre par les ressorts d’une comédie presque burlesque. Beaucoup de critiques saluent ce film comme l’un des plus percutants de la sélection. Y compris moi-même.

Un simple accident vient d’ores et déjà de remporter le Prix de la Citoyenneté 2025 décerné par l’association Clap Citizen Cannes.

Ce sont justement les deux films que je place, personnellement, tout en haut de ma propre liste. Il me reste encore trois films en compétition à découvrir, mais ceux-là s’imposent déjà par leur puissance. Jafar Panahi d’un côté, pour sa capacité à dire l’Iran d’aujourd’hui, et d’ailleurs l’humanité entière, avec un humour noir salutaire, et Joachim Trier de l’autre, pour cette manière bouleversante de raconter le deuil, l’amour filial et le temps qui passe. Deux propositions radicalement différentes, mais également maîtrisées.

Pour les prix d’interprétation, la critique internationale penche volontiers du côté de Josh O’Connor (The Mastermind) et Yui Suzuki (Renoir), souvent cités comme favoris. Des performances sans doute solides, mais pour ma part, mes regards se portent ailleurs.

Du côté féminin, Parinaz Izadyar m’a bouleversée dans Woman and Child de Saeed Roustaee. Elle incarne une mère prise dans une situation sociale et judiciaire infernale avec une pudeur et une intensité remarquables. Son visage hanté, sa dignité blessée, sa détermination muette : elle compose un personnage inoubliable.

Renate Reinsve a aussi été grande dans son rôle dans Sentimental value, la scène de panique avant sa première est juste extraordinaire. Tout le long du film, elle a su jouer son rôle avec une grande palette d’émotions justes.

Une autre possibilité réside peut-être dans Léa Drucker, formidable dans Dossier 137. Elle joue avec une grande précision, rendant palpable l’ambiguïté morale de son personnage. Un rôle difficile, tenu avec une rigueur. Elle est un peu la préférée de la presse française.

Chez les hommes, pourquoi ne pas imaginer Tahar Rahim couronné pour Alpha de Julia Ducournau? Sa performance est toute en tension, traversée d’une rage contenue, d’un désespoir brut. Il impressionne par son engagement total dans ce rôle physique et intérieur à la fois. Peu de journalistes l’ont cité dans leurs pronostics, mais cela ne veut rien dire à Cannes.

En ce qui concerne les autres prix, la presse semble assez unanime sur la qualité de The Secret Agent de Kleber Mendonça Filho, souvent évoqué pour un Grand Prix. Film ambitieux, dense, politique, il s’impose par la maîtrise de sa narration, sa puissance visuelle et sa portée contemporaine. Il figure aussi dans mes choix personnels.

Quant à Woman and Child, il mériterait selon moi au moins un prix du meilleur scénario, tant sa construction narrative épouse brillamment la tension sociale et l’effondrement intime. Le travail de Saeed Roustaee, sur le plan de l’écriture, est remarquable. Le film déroute par ses différents « twists », à chaque fois qu’on a l’impression que le film va dans une direction, il en prend une autre, à notre grande surprise. Sans oublier que le suspense demeure jusqu’à la dernière minute.

Un autre film a fait couler beaucoup d’encre : Sirat, régulièrement cité par les critiques pendant le festival. Il a marqué, dérouté, provoqué. Sa place dans le palmarès est possible, bien que son extrême singularité puisse aussi le desservir. Il fascine autant qu’il interroge : c’est souvent bon signe à Cannes, mais le jury en décidera.

Dans tous les cas, les lignes ne sont pas encore figées. La variété des films cités, les divergences d’opinion, les surprises possibles – tout cela rappelle que le palmarès cannois échappe souvent aux logiques linéaires. Et c’est ce qui le rend si passionnant.

Rendez-vous ce soir pour la réponse du jury. Les dés sont lancés, les jeux sont faits !

Neïla Driss

Avec Sentimental Value, présenté cette année en compétition officielle au 78e Festival de Cannes, Joachim Trier revient là où il s’est imposé, film après film, comme l’un des cinéastes européens les plus sensibles et subtils de sa génération. Fidèle à la Croisette, le réalisateur norvégien avait bouleversé le public en 2021 avec Julie (en 12 chapitres) (The Worst Person in the World), qui avait valu à son actrice principale, Renate Reinsve, le prix d’interprétation féminine. Ce fut une révélation : l’éclosion d’un tandem artistique qui se prolonge et s’affirme aujourd’hui avec force dans ce nouveau film, troisième collaboration après Oslo, 31 août, Julie, et désormais Sentimental Value.

Joachim Trier signe ici une œuvre tout en finesse, une chronique familiale qui explore les strates invisibles du ressentiment, de l’héritage et de la transmission. Fidèle à sa manière, il mêle l’intime et l’universel avec une délicatesse rare. Il filme les familles comme d’autres filment les guerres : avec pudeur, mais sans jamais édulcorer la violence sourde des blessures.

L’histoire s’ouvre à Oslo, dans une maison au charme un peu désuet, très belle, mais marquée dès sa construction par un défaut minime et pourtant fondateur : une fissure dans les fondations, qui traverse les murs de tout un côté de l’édifice. Ce détail architectural, à peine signalé, devient immédiatement métaphorique. Il annonce le cœur du film : cette maison est le théâtre de l’histoire des Berg, une famille unie, mais rongée par les non-dits, les rancunes anciennes et les absences douloureuses. D’ailleurs, le film débute par quelques scènes retraçant l’histoire de cette famille dans cette maison, comme si l’espace lui-même conservait la mémoire des drames passés.

À la mort de la mère, deux sœurs se retrouvent : Nora, l’aînée, actrice hypersensible en proie au doute, et Agnes, plus posée, mère d’un jeune garçon. Leur père, Gustav, cinéaste célèbre mais longtemps absent, fait son retour à Oslo à cette occasion. Mais il ne revient pas seulement pour les funérailles. Il vient aussi pour proposer à sa fille Nora un rôle dans le film qu’il s’apprête à tourner, son premier depuis quinze ans. Ce geste, en apparence généreux, se teinte immédiatement d’ambiguïté : Gustav ne peut s’empêcher d’exprimer un mépris à peine voilé pour les choix artistiques de sa fille — notamment sa participation à une série télévisée — et trahit, dans chacune de ses attitudes, une incapacité chronique à manifester un amour paternel véritable. Le film s’installe alors dans cette tension : un père qui revient trop tard, une fille qui a cessé d’attendre, et une maison devenue le réceptacle d’une mémoire encombrée, saturée de ce qui n’a pas été dit.

Renate Reinsve, ici, est tout simplement magistrale. Dès la première séquence, où sa troupe de théâtre s’agite dans les coulisses pour la convaincre de monter sur scène, elle impose un personnage à la fois fragile, ancré, excessif, et d’une bouleversante vérité. Elle incarne une femme en déséquilibre, jamais tout à fait à sa place, que ce soit dans sa famille, dans sa carrière ou dans le monde. Elle ne cherche pas à séduire : elle explore. Elle se livre, entière, sans détour. Joachim Trier, comme toujours, sait filmer ses acteurs dans la nuance, mais avec elle, il y a quelque chose de plus : une complicité presque chorégraphique entre la mise en scène et l’interprétation. Renate Reinsve module chaque émotion dans une infinité de demi-teintes, elle porte le film avec une précision et une profondeur rares, sans jamais appuyer ses effets. Il devient difficile d’imaginer une autre actrice dans ce rôle tant elle semble l’habiter de l’intérieur, avec une sincérité organique.

Face à elle, Stellan Skarsgård est parfait dans le rôle du patriarche ambigu, à la fois distant et dominateur, parfois touchant dans sa maladresse, souvent insupportable dans sa suffisance. Son personnage est celui d’un homme qui n’a jamais su être père, mais qui continue à vouloir être metteur en scène, comme si ce statut pouvait tout excuser. Il parvient d’ailleurs à convaincre une actrice hollywoodienne, incarnée par Elle Fanning, de jouer dans son film. Une rencontre à Deauville, une admiration réciproque, et la magie semble opérer. Mais lorsque les répétitions commencent, dans la maison familiale, et que l’actrice s’attaque au rôle de la mère disparue, quelque chose résiste. La douleur réelle s’infiltre dans la fiction. Le passé refuse de se laisser dompter par la mise en scène.

Et peu à peu, la vérité se dévoile : pour que ce film-là puisse exister, il faudra que Nora l’incarne. Elle seule peut affronter cette mémoire, ce rôle, ce père. Elle seule peut rendre justice à ce que cette maison, ce deuil, cette histoire recèlent de blessures non guéries.

Avec Sentimental Value, Joachim Trier livre un film profondément mélancolique, mais traversé d’éclats d’humour discret. On y retrouve ses thèmes de prédilection — la famille, le deuil, la création, le lien père-fille — abordés avec un raffinement narratif encore plus épuré que dans ses œuvres précédentes. Il s’autorise même quelques touches de comédie absurde, dans certaines scènes, sans jamais rompre l’équilibre émotionnel du récit.

Le film prend toute sa dimension dans sa dernière partie, lorsque Gustav, enfin, filme. Un tournage, une caméra qui s’allume, une scène qui se rejoue dans la lumière du présent. C’est là que Trier, sans recours à aucun pathos, parvient à émouvoir profondément. Le cinéma devient réparation, ou du moins tentative de réparation. Il ne s’agit pas de réécrire le passé, mais d’en faire quelque chose. D’en extraire, peut-être, une valeur sentimentale.

Future Palme d’or ? Ou Prix de meilleure interprétation féminine ?

Neïla Driss

La section Un Certain Regard du Festival de Cannes 2025 s’est achevée sur une note d’émotion et d’engagement, marquant un moment fort pour le cinéma arabe et en particulier pour la Palestine et la Tunisie.

Cette année, la sélection a mis en lumière 20 longs métrages venus du monde entier, dont 9 premiers films éligibles à la Caméra d’or. Fidèle à son ambition de révéler des voix singulières, cette section parallèle au sein de la sélection officielle a honoré des œuvres audacieuses, politiques et puissamment ancrées dans les réalités contemporaines.

Dès la soirée d’ouverture, un événement inédit a donné le ton de cette édition 2025 : pour la première fois dans l’histoire du Festival, c’est un film tunisien qui a ouvert Un Certain Regard. Promis le ciel, réalisé par Erige Sehiri, a ainsi inauguré la section avec élégance et conviction. Après Sous les figues, sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs en 2022, la cinéaste tunisienne confirme son ancrage dans le paysage international, offrant cette fois une œuvre plus ample, à la fois intime et politique, où la quête de liberté se mêle aux blessures de l’histoire contemporaine. Ce choix d’ouverture résonne comme un signal fort, tant pour le cinéma tunisien que pour la reconnaissance des cinéastes arabes à Cannes.

Mais c’est un autre film arabe qui a marqué les esprits et conquis le jury : Once Upon a Time in Gaza, réalisé par les frères Arab & Tarzan Nasser, a remporté le Prix de la Mise en Scène. Le film s’impose comme une œuvre bouleversante, aussi poignante que nécessaire, qui plonge au cœur d’une Gaza ravagée, dans une fresque à la fois réaliste et poétique, où l’humain résiste à l’absurde du quotidien sous blocus.

Les deux cinéastes palestiniens, connus pour leur cinéma engagé (Dégradé, Gaza mon amour), livrent ici leur film le plus puissant à ce jour, dans un contexte d’urgence extrême. La récompense qu’ils reçoivent dépasse le cadre purement artistique : elle symbolise un geste de reconnaissance, à l’heure où les artistes palestiniens peinent à faire entendre leur voix sur les scènes internationales, alors même que leur terre est en proie à une violence sans précédent.

La présidente du jury, la cinéaste britannique Molly Manning Walker, entourée de Louise Courvoisier, Vanja Kaludjercic, Roberto Minervini et Nahuel Pérez Biscayart, a salué la richesse et la diversité des propositions. Le palmarès reflète cette diversité, avec des prix attribués à des cinéastes émergents venus d’horizons variés.

Palmarès – Un Certain Regard 2025

• Prix Un Certain Regard : La Misteriosa Mirada del Flamenco (Le Mystérieux Regard du flamant rose) de Diego Céspedes — premier film
• Prix du Jury : Un Poeta de Simón Mesa Soto
• Prix de la Mise en Scène : Arab & Tarzan Nasser pour Once Upon a Time in Gaza
• Meilleur Acteur : Frank Dillane dans Urchin de Harris Dickinson
• Meilleure Actrice : Cléo Diára dans O Riso e a Faca (Le Rire et le couteau) de Pedro Pinho
• Meilleur Scénario : Pillion de Harry Lighton — premier film

Dans un monde qui vacille, le cinéma d’Un Certain Regard rappelle que les regards singuliers sont plus que jamais nécessaires. Et cette année, ils sont venus de Gaza, de Tunis, de Lisbonne, de Bogota ou encore de Londres, portés par une génération de cinéastes qui filment pour exister, pour résister, et pour continuer à croire au pouvoir du récit.

Neïla Driss

Né à Paris en 1974 dans une famille copte égyptienne, formé à la FEMIS, Namir Abdel Messeeh a toujours inscrit son œuvre dans une exploration des identités multiples, entre France et Égypte, entre croyances héritées et regard critique. Dans La Vie après Siham, il poursuit cette quête intime en revenant sur une promesse faite à sa mère avant sa mort : raconter son histoire. Le film devient ainsi non seulement un portrait d’outre-tombe, mais aussi un acte de fidélité, de réparation et de transmission.

Une promesse comme point de départ

Le film s’ouvre sur une perte : celle de la mère, Siham, figure centrale du récit, disparue avant le père, Waguih. Huit ans plus tard, celui-ci meurt à son tour, et le réalisateur, leur fils, se retrouve seul face à un double deuil. Plus encore, il est confronté à une mission qu’il s’est lui-même assignée : raconter leur histoire, et par extension, la sienne.

Ce qui rend la tâche plus complexe, c’est que Namir Abdel Messeeh est un documentariste habitué à capter le réel sans toujours solliciter le consentement de ceux qu’il filme. Or, cette fois-ci, c’est sa propre intimité qu’il doit explorer. Il ne s’agit plus seulement d’observer, mais d’interroger, de ressentir, de se confronter aux silences familiaux, aux récits divergents, aux souvenirs lacunaires. Et surtout, de se livrer.

Un collage émotionnel et sensoriel

La mise en forme de cette quête intime prend une structure fragmentaire, qui épouse la nature même du souvenir. La Vie après Siham est un film kaléidoscopique qui mêle archives familiales, tournages contemporains, séquences en super 8 et extraits de vieux films égyptiens, notamment ceux de Youssef Chahine, figure tutélaire qui plane sur le film comme un double artistique. Le résultat est un collage visuel et émotionnel, où chaque image convoque une mémoire, une absence ou un écho.

La caméra s’attarde sur les gestes du père, sur les objets laissés par la mère, sur les lieux où elle a vécu. Elle filme aussi les hésitations du cinéaste lui-même, ses doutes, ses maladresses, sa douleur. On le voit interroger, se souvenir, parfois tourner en rond. Le film ne cache rien de ces moments de perte de contrôle, et c’est dans cette sincérité même qu’il trouve sa force.

La mémoire comme champ de bataille

L’une des dimensions les plus passionnantes du film réside dans son rapport à la vérité. En commençant par « la version officielle » de l’histoire familiale, telle qu’elle est racontée dans les réunions, Namir Abdel Messeeh découvre peu à peu que les récits de sa mère et de son père se contredisent, que certains événements ont été tus ou embellis, que la mémoire est un territoire mouvant, instable. Le documentaire devient alors enquête, mais une enquête sans résolution définitive : le réel est multiple, et chaque version a sa légitimité.

Cette confrontation avec les récits parentaux donne au film une dimension presque psychanalytique. Il ne s’agit plus seulement de rendre hommage aux morts, mais de comprendre ce qu’ils nous ont légué, consciemment ou non. Et ce legs est ambivalent : il contient de l’amour, bien sûr, mais aussi des contradictions, des non-dits, des blessures.

La quête d’un lieu d’appartenance

Si le film se déploie entre la France et l’Égypte, c’est parce que l’histoire familiale elle-même est traversée par l’exil. Les parents ont quitté leur pays d’origine, mais n’y ont jamais vraiment renoncé. Et le fils, né en France, navigue entre deux cultures, deux langues, deux manières d’être au monde.

La Vie après Siham interroge ainsi la notion de « pays natal » : est-ce une terre, une langue, une mémoire ? Le film ne donne pas de réponse tranchée, mais il montre avec acuité combien le sentiment d’appartenance peut être en même temps flou et important pour les enfants de l’immigration. À travers les photos, les chants, les films, c’est tout un pan d’histoire commune entre l’Égypte et la diaspora copte en France qui affleure, en creux.

La dimension politique du film est d’ailleurs présente, mais toujours en arrière-plan. Il n’y a pas de discours militant, mais une attention constante à ce que signifie « être arabe », « être égyptien », « être français », quand ces identités sont vécues au croisement de plusieurs mémoires.

Une catharsis par le cinéma

Plus qu’un film de deuil, La Vie après Siham est un film de transformation. Il ne cherche pas à fixer le passé, mais à l’interroger, à en faire émerger un sens, parfois douloureux, parfois salvateur. La promesse faite à la mère devient ainsi une forme de contrat moral, que le réalisateur honore avec délicatesse, sans pathos, mais avec une sensibilité à fleur de peau.

Comme dans ses précédents films, Namir Abdel Messeeh n’a pas peur de l’autodérision, du doute, de l’imperfection. Il filme sa propre vulnérabilité avec une honnêteté rare. Et c’est cette vulnérabilité, pleinement assumée, qui touche et qui reste.

Le cinéma, pour lui, est un lieu d’élaboration du réel, un outil pour dire l’indicible, pour réparer les brèches intimes, pour faire le deuil — non pas en oubliant, mais en transformant l’absence en mémoire active. C’est aussi, peut-être, une façon de devenir père à son tour, en transmettant ce qu’on a reçu, ou ce qu’on a tenté de comprendre.

Un accueil chaleureux et une reconnaissance internationale

La projection du film à Cannes a réuni l’ensemble de l’équipe, y compris les producteurs égyptiens, dans une ambiance d’appréciation sincère et d’enthousiasme partagé, tant du public que des critiques. Ce succès s’inscrit dans une trajectoire déjà marquée par une reconnaissance importante en Égypte et dans le monde arabe.

La Vie après Siham a reçu en 2021 deux prix des sponsors du Cairo Film Connection, ART et Ergo, en soutien à de nouvelles voix cinématographiques dans le monde arabe. Cette aide a permis la production de ce documentaire remarquable qui a su capter l’attention des festivaliers cannois. Ce soutien institutionnel souligne l’importance de plateformes telles que le Cairo Film Connection dans l’accompagnement des projets ambitieux de la région.

Mohamed Sayed Abdel Rahim, responsable des Cairo Industry Days au Festival International du Film du Caire, a exprimé sa grande satisfaction quant à l’accueil chaleureux réservé au film lors de sa première : « Nous sommes extrêmement fiers de voir l’un des projets du Cairo Film Connection connaître un tel succès international et une telle reconnaissance dans un festival aussi prestigieux que Cannes. Cette réussite illustre l’importance du soutien aux jeunes talents arabes et met en lumière le rôle catalyseur du Cairo Film Connection pour les projets cinématographiques ambitieux. »

Cette réussite illustre également le rôle grandissant du Festival International du Film du Caire et de sa plateforme industrie dans le développement du cinéma arabe, en offrant à ses talents une visibilité sur les scènes internationales et en renforçant la présence des créateurs égyptiens et arabes dans les grands forums mondiaux.

Neïla Driss

Au cœur de la 78ᵉ édition du Festival de Cannes, la présence marocaine s’affiche avec une cohérence et une ambition renouvelées. Pour la première fois, le Royaume du Maroc, à travers le Centre Cinématographique Marocain (CCM), installe un stand institutionnel au sein du Marché du Film, affirmant avec force une stratégie de rayonnement portée par les Hautes Orientations de Sa Majesté le Roi Mohammed VI. Cette participation marque un tournant pour le cinéma marocain, pensé comme levier de diplomatie culturelle et vecteur de visibilité internationale.

Le stand marocain, installé au cœur de l’effervescence professionnelle du Marché du Film, se veut plus qu’un simple espace d’exposition. Il est conçu comme une plateforme stratégique de rencontres, de valorisation et de structuration du secteur. Cinq films marocains y sont mis en avant, dont quatre projets projetés dans les salles du Marché : The Wound de Seloua El Gouni, La Dernière répétition de Yassine Fennane, Le Lac bleu de Daoud Aoulad-Syad, et Hôtel de la paix de Jamal Belmejdoub. Une présentation exclusive des premières images de The Black Pearl d’Ayoub Qanir, actuellement en cours de finalisation, complète cette sélection. Ces œuvres témoignent, chacune à leur manière, d’un dynamisme artistique et d’une diversité de regards qui incarnent l’évolution actuelle du paysage cinématographique marocain.

Lors de l’ouverture du stand, Abdelaziz El Bouzdaini a souligné que « le Marché du Film représente une plateforme stratégique pour les créateurs, les institutions et les partenaires. La présence du Maroc cette année reflète une volonté claire d’inscrire durablement notre production cinématographique dans les grands circuits de coopération et de diffusion ». Une déclaration qui inscrit cette initiative dans une stratégie de long terme, à la fois ambitieuse et structurée.

La présence marocaine à Cannes ne s’arrête pas au Marché du Film. Elle se déploie aussi dans les sélections officielles du Festival, affirmant la reconnaissance croissante des jeunes voix du pays. Le court-métrage L’Mina de Randa Maroufi figure à la 64ᵉ Semaine de la Critique, tandis que Boujloud de Rita Bousfiha-Lamotte est sélectionné aux AI Film Awards Cannes 2025. Deux œuvres qui traduisent l’émergence d’une nouvelle génération de cinéastes, aux écritures affirmées et à la portée déjà internationale.

Autre marque de rayonnement, deux longs métrages tournés au Maroc ont été retenus par le Festival : Sîrat de l’Espagnol Oliver Laxe, en compétition officielle, tourné dans le désert marocain avec une équipe technique locale, et 13 jours, 13 nuits de Martin Bourboulon, présenté hors compétition. Deux productions qui confirment à la fois l’attractivité du territoire marocain comme terre de tournage et l’expertise technique de ses professionnels. Cette double reconnaissance s’inscrit dans une politique volontariste de développement des infrastructures, de professionnalisation des équipes et de mise en valeur des paysages et savoir-faire marocains.

Ce mouvement s’inscrit dans une dynamique plus large, où la culture devient outil de diplomatie et d’influence. Le Maroc sera en effet l’invité d’honneur de la 82ᵉ Mostra de Venise. Des discussions sont également en cours pour une présence marocaine à la Berlinale et au Festival international du film de Tokyo. Trois étapes majeures d’une stratégie qui entend faire du Royaume un acteur incontournable sur la scène cinématographique mondiale.

Cette stratégie d’internationalisation repose aussi sur un engagement clair envers les jeunes générations. Le 18 mai 2025, au Pavillon Marocain, un atelier de coproduction Maroc-France a été organisé par le CCM et le CNC, à l’occasion du premier anniversaire de l’accord de coproduction signé entre les deux pays. Cinq projets ont été sélectionnés parmi des candidatures de jeunes cinéastes marocains : La maison des anges de Jihane Joypaul, La piste de Mohcine Nadifi, Laissées pour compte de Kenza Tazi, Le champ de Mohamed Bouhari et Malik, un projet d’animation porté par Khalid Nait-Zlay.

Tous ces projets, portés par des réalisateurs ou réalisatrices en tout début de carrière, bénéficient à Cannes d’un accompagnement concret : rendez-vous professionnels personnalisés, rencontres avec des producteurs français, conseils pour l’élaboration de coproductions efficaces. Une démarche qui vise à soutenir le renouvellement générationnel du cinéma marocain et à inscrire les jeunes talents dans un cadre international dès la genèse de leurs projets.

La présence de Madame Rachida Dati, Ministre de la Culture de la République française, au Pavillon Marocain a ajouté à cet atelier une dimension institutionnelle forte. En rencontrant notamment les équipes de La maison des anges et de Malik, elle a réaffirmé l’engagement de la France en faveur de la coopération artistique avec le Maroc et souligné l’importance de ces échanges pour les industries culturelles des deux pays.

Au fil des initiatives, le Maroc esquisse ainsi les contours d’une politique culturelle ambitieuse et cohérente, fondée sur la valorisation de ses créateurs, l’ouverture aux partenariats, et l’ancrage de son cinéma dans les circuits internationaux de création, de diffusion et de coproduction. La présence à Cannes 2025, articulée autour d’une triple dimension – institutionnelle, artistique et pédagogique – incarne un tournant stratégique dans cette vision globale.

Mais au-delà des images, des chiffres et des présences, une question se pose désormais : cette politique d’exportation et de structuration saura-t-elle nourrir un écosystème interne durable, capable d’offrir aux créateurs marocains, au-delà des projecteurs cannois, les conditions d’une liberté artistique et d’une véritable autonomie de production ? Alors que s’ouvrent les prochaines échéances internationales, cette interrogation demeure au cœur des défis que le cinéma marocain devra relever pour affirmer pleinement sa place sur la carte mondiale du 7ᵉ art.

Neïla Driss, d’après communiqués
 

Cannes a vu naître un nouveau prix cette année : le tout premier Cannes Golden Globe Prize for Documentary, remis par la Artemis Rising Foundation. Ce prix inédit a été décerné au cinéaste américain Eugene Jarecki, figure incontournable du documentaire engagé. Annonce faite lors d’un événement spécial organisé dans le cadre du Marché du Film, cette récompense souligne la volonté affirmée des Golden Globes et de la fondation Artemis Rising de mettre en lumière l’importance croissante du documentaire dans le paysage cinématographique contemporain.

Lauréat à deux reprises du Grand Prix du Jury au Festival de Sundance, plusieurs fois primé aux Emmy Awards et aux Peabody Awards, Eugene Jarecki voit ainsi consacrée une œuvre qui ne cesse d’interroger les fondements de la démocratie, les dérives du pouvoir et la complexité de l’histoire américaine. Son nouveau film, The Six Billion Dollar Man, a été présenté en avant-première mondiale le 21 mai à Cannes, marquant une nouvelle étape dans une filmographie réputée pour sa profondeur analytique et sa puissance émotionnelle.

Le jury du prix était composé de personnalités majeures du monde de l’image et de l’engagement artistique : Helen Hoehne, présidente des Golden Globes ; Regina K. Scully, fondatrice et directrice générale de la Artemis Rising Foundation, plusieurs fois récompensée pour son travail de mécénat ; Geralyn White Dreyfous, productrice oscarisée et cofondatrice de Impact Partners ; et l’actrice et productrice Tessa Thompson, connue pour son engagement et sa sensibilité artistique.

Dans leur déclaration commune, les membres du jury ont mis en avant la capacité de Jarecki à conjuguer les exigences du journalisme avec l’intuition du poète. « Ses films allient une analyse pénétrante à une audace constante, tout en restant empreints de compassion et d’empathie », ont-elles souligné. Elles ont salué sa volonté de « nous aider à élargir notre compréhension du bien et du mal » et son courage à « soulever le capot de la société pour révéler ce qui est en train d’être reconfiguré sans notre consentement ». Pour le jury, l’œuvre de Jarecki représente une invitation puissante à repenser nos perspectives et à défendre nos libertés fondamentales.

Tessa Thompson, qui a révélé le nom du lauréat lors de l’événement, a pris la parole pour souligner combien la quête de vérité constitue un combat exigeant. « Dans cette recherche acharnée de la vérité, nous ne devons jamais présumer que les gouvernements souhaitent nous en rapprocher. Le documentaire a ce pouvoir unique de montrer le coût humain de cette quête, les sacrifices consentis par celles et ceux qui s’y consacrent. Il est essentiel de continuer à fouiller, à interroger et à protéger la vérité, ainsi que celles et ceux qui s’en font les gardiens. »

Ce prix, dont la première édition à Cannes fait date, incarne une alliance forte entre les Golden Globes et la Artemis Rising Foundation, qui s’associent ici à Think-Film Impact Production pour défendre la place centrale du documentaire dans les combats culturels et politiques de notre époque. Ensemble, ces partenaires souhaitent promouvoir un cinéma qui ne se contente pas de documenter la réalité, mais qui la transforme, en influençant les lois, les mentalités et les politiques publiques.

Depuis sa création en 1944, la cérémonie des Golden Globes récompense les grandes réussites du cinéma et de la télévision. Au cours des trente dernières années, elle a permis de redistribuer plus de 55 millions de dollars à des causes liées à l’industrie du divertissement, allant des bourses d’études à la restauration de films, en passant par des actions humanitaires et des programmes d’accès pour les communautés marginalisées.

La Artemis Rising Foundation, sous la direction de Regina K. Scully, soutient depuis de nombreuses années des projets artistiques, éducatifs et médiatiques qui remettent en question les normes établies. Elle a notamment contribué à produire des films documentaires majeurs comme The Invisible War, The Hunting Ground, The Tale, Athlete A, ou encore Won’t You Be My Neighbor?. Chacun de ces films aborde, avec force et sensibilité, des enjeux de société cruciaux : agressions sexuelles, représentations genrées dans les médias, santé mentale, résilience, écologie ou justice sociale.

Quant à Think-Film Impact Production, la société européenne dirigée par Danielle Turkov Wilson, elle s’est imposée comme un acteur incontournable du cinéma d’impact. Co-initiatrice du programme impACT au Marché du Film de Cannes en 2021, elle a depuis étendu son action à la Mostra de Venise, avec la création du Collateral Impact Award. Parmi les films accompagnés par Think-Film figurent Navalny (Oscar et BAFTA du meilleur documentaire), Black Box Diaries (nommé aux Oscars et aux BAFTA), Dark Waters de Todd Haynes, ou encore le très attendu Facing War, qui suit les dernières années du secrétaire général de l’OTAN Jens Stoltenberg. Ce dernier a d’ailleurs marqué l’histoire en devenant le premier film non danois à ouvrir le festival CPH:DOX en 2025.

En créant ce prix, les Golden Globes et leurs partenaires entendent inscrire leur engagement dans la durée, en faisant de Cannes une tribune internationale pour celles et ceux qui, par l’image et la rigueur documentaire, œuvrent à une meilleure compréhension du monde. En distinguant Eugene Jarecki, ils honorent un cinéaste dont l’œuvre témoigne d’un humanisme intransigeant, doublé d’un profond respect pour la vérité – aussi dérangeante soit-elle.

Neïla Driss, d’après communiqué